Introduction
Dans l’univers grandiose et souvent excessif de l’opéra, la mort est un événement récurrent, mais le suicide occupe une place particulière, revêtant une dimension dramatique et psychologique d’une intensité inégalée. Loin d’être de simples fins tragiques, ces actes volontaires sont souvent l’apogée d’un parcours émotionnel complexe, le résultat d’un désespoir abyssal, d’un amour impossible, d’un honneur bafoué ou d’une culpabilité écrasante. Ils offrent aux compositeurs et aux librettistes l’opportunité d’explorer les tréfonds de l’âme humaine, de sublimer la souffrance par la musique et de créer des scènes d’une force bouleversante. Des héroïnes déchirées par la trahison aux héros acculés par le destin, les grands suicides de l’opéra sont des moments musicaux et scéniques inoubliables, où l’orchestre et la voix s’unissent pour exprimer l’inexprimable. Ces scènes sont souvent parmi les plus célèbres du répertoire, gravées dans la mémoire collective. Cette série de 15 articles explorera en profondeur ce thème poignant. Nous plongerons dans la psychologie des personnages, les motivations derrière ces gestes extrêmes, la manière dont la musique sublime la mort, les différentes formes de suicide (poison, arme, noyade, etc.), ainsi que l’impact et la portée symbolique de ces fins ultimes dans l’histoire de l’opéra. Préparez-vous à une immersion profonde dans la tragédie et la beauté de ces adieux musicaux.
1. Cio-Cio San (madame butterfly) : l’honneur suicidaire par le hara-kiri
Le suicide de Cio-Cio San dans Madame Butterfly de Giacomo Puccini est l’un des moments les plus déchirants et symboliques de l’opéra, représentant l’honneur suicidaire par le harakiri. Après trois ans d’attente fidèle, Cio-Cio San, surnommée Butterfly, découvre que son mari américain, Pinkerton, revient au Japon non pas pour elle, mais pour emmener leur enfant avec sa nouvelle épouse américaine. Pour cette jeune femme japonaise, abandonnée, déshonorée et ayant tout sacrifié pour un amour qu’elle croyait éternel, la perte de son enfant et la trahison de son époux sont insupportables. Le suicide devient l’unique voie pour préserver son honneur et celui de sa lignée, suivant le code du Bushido : « Mourir avec honneur quand on ne peut plus vivre avec honneur ». La scène de sa mort est d’une intensité poignante. Tandis que Pinkerton et sa femme l’attendent, Butterfly fait ses adieux à son fils dans un monologue déchirant, puis se transperce avec le poignard de son père, gravé de la sentence « Qui ne peut vivre digne, doit mourir digne ». Puccini sublime ce moment par une musique d’une beauté tragique, où les dernières notes de l’orchestre soulignent la dignité et la désolation de cette jeune femme acculée, faisant de sa mort un acte héroïque et désespéré, gravé à jamais dans les annales de l’opéra.
2. Norma : le sacrifice sur le bûcher pour l’amour et le pardon
Le suicide de Norma dans l’opéra éponyme de Vincenzo Bellini est un acte de sacrifice sur le bûcher pour l’amour et le pardon, d’une grandeur et d’une noblesse exceptionnelles. Norma, grande prêtresse gauloise, a trahi ses vœux sacrés en ayant deux enfants avec le proconsul romain Pollione, l’ennemi de son peuple. Lorsque Pollione la quitte pour Adalgisa, une jeune novice, Norma est déchirée entre la jalousie, la fureur et son amour maternel. Dans un revirement dramatique, au lieu de condamner Adalgisa et de jurer vengeance, elle se dénonce elle-même, confessant sa trahison et demandant la mort. Son suicide n’est pas un acte de désespoir pur, mais une ultime tentative d’expier sa faute, de racheter son honneur et de montrer à Pollione un amour si profond qu’il le conduit au sacrifice ultime. Elle monte volontairement sur le bûcher, espérant ainsi se racheter et obtenir le pardon divin. Ému par son courage et la profondeur de son amour, Pollione décide de la suivre dans la mort, s’immolant à ses côtés dans un duo final d’une puissance émotionnelle rare. La musique de Bellini, avec ses mélodies sublimes et ses airs déchirants, sublime ce sacrifice, transformant une trahison intime en une tragédie universelle de l’amour, du pardon et de la rédemption, scellant l’un des dénouements les plus poignants du répertoire belcantiste.
3. Werther : la mort par amour, tragédie romantique
Le suicide de Werther dans l’opéra de Jules Massenet, d’après le roman de Goethe, est l’incarnation même de la mort par amour, une tragédie romantique empreinte d’une mélancolie déchirante. Werther, un jeune poète épris d’idéal, tombe éperdument amoureux de Charlotte, déjà promise à Albert. Leur amour est pur mais impossible, et Werther se consume de passion et de désespoir. Son âme est torturée par l’inaccessibilité de Charlotte et le poids des conventions sociales. Incapable de supporter cette souffrance et voyant Charlotte incapable de lui rendre son amour de la même intensité, Werther choisit de mettre fin à ses jours. Il emprunte les pistolets d’Albert et se tire une balle, dans un acte désespéré de libération de sa douleur. La scène de sa mort est un long et poignant adagio, où Werther agonise dans les bras de Charlotte, qui est enfin capable d’exprimer son amour pour lui, mais trop tard. La musique de Massenet, lyrique et empreinte de pathos, accompagne chaque souffle de Werther, soulignant sa profonde mélancolie et l’intensité de ses sentiments. Son suicide est le point culminant du mal-être romantique, symbolisant la fuite d’un monde qui ne peut contenir l’ardeur de son âme. C’est une fin déchirante qui capture l’essence du roman et fait de Werther l’archétype du héros romantique, détruit par une passion trop grande pour être vécue.
4. Lucia di Lammermoor : la folie meurtrière et la mort volontaire
Le suicide de Lucia di Lammermoor dans l’opéra de Gaetano Donizetti est l’un des plus célèbres et des plus poignants du répertoire, illustrant la folie meurtrière menant à une mort volontaire déchirante. Contrainte par son frère à épouser un homme qu’elle n’aime pas pour sauver l’honneur de sa famille, Lucia est déjà psychologiquement fragile. Son amour secret pour Edgardo, son ennemi juré, et l’abandon forcé de cet amour, la plongent dans un désespoir profond. La nuit de ses noces, dans un état de démence totale, elle assassine son époux. La scène de la folie qui suit est l’un des sommets du bel canto : Lucia, perdue dans son délire, revit son mariage avec Edgardo et ses visions d’un bonheur perdu, avant de sombrer dans l’agonie. Son suicide n’est pas directement mis en scène par un acte brutal, mais sous-entendu par son délire et l’épuisement final qui la conduit à la mort. La musique de Donizetti, avec ses vocalises virtuoses et expressives, et l’accompagnement d’une flûte soliste, sublime sa démence et sa fin tragique. La mort de Lucia est le point culminant de son martyr, le seul moyen d’échapper à une réalité insupportable et à un monde qui l’a broyée. Son suicide est une libération ultime, transformant sa vulnérabilité en une force dramatique qui continue de bouleverser le public.
5. Othello : le suicide par remords et honneur bafoué
Le suicide d’Othello dans l’opéra éponyme de Giuseppe Verdi, basé sur la tragédie de Shakespeare, est un acte puissant de remords et d’honneur bafoué, représentant l’ultime sacrifice d’un homme brisé. Le général maure, manipulé par le machiavélique Iago, est convaincu de l’infidélité de sa femme Desdemona. Dans un accès de rage et de jalousie, il l’étrangle. La vérité éclate alors, révélant la pureté de Desdemona et la duplicité de Iago. Accablé par la culpabilité, la honte et la réalisation de son erreur irréparable, Othello ne peut supporter de vivre avec un tel fardeau. Son suicide est un acte d’honneur, un châtiment qu’il s’inflige lui-même pour avoir détruit ce qu’il aimait le plus et terni sa propre réputation de soldat héroïque. Dans sa dernière aria, « Niun mi tema » (Que personne ne me craigne), il se poignarde avec une dague cachée, expirant près du corps de sa bien-aimée. La musique de Verdi, d’une intensité dramatique incomparable, accompagne la descente aux enfers d’Othello, de la fureur aveugle au désespoir le plus profond. Son suicide n’est pas un signe de faiblesse, mais l’acte final d’un homme qui, incapable de pardonner son propre crime, choisit la mort pour laver son honneur souillé.
6. Tosca : le saut de l’ange face à l’injustice
Le suicide de Tosca dans l’opéra de Giacomo Puccini est un acte désespéré de rébellion et de rage face à l’injustice et à la tyrannie, culminant par un saut de l’ange mémorable. La célèbre cantatrice, amoureuse du peintre Cavaradossi, est prise au piège par le chef de la police Scarpia. Pour sauver son amant de la torture, elle accepte de se donner à Scarpia, mais le poignarde mortellement au moment où il s’apprête à la violer. Scarpia, dans un dernier acte de vengeance, a cependant ordonné la fausse exécution de Cavaradossi, qui s’avère être bien réelle. Témoin de la mort de son bien-aimé, et poursuivie par les sbires de Scarpia qui ont découvert son crime, Tosca se retrouve acculée. Incapable de supporter la perte de son amour et le monde cruel qui l’entoure, elle prononce ses dernières paroles, « Avanti a Dio! » (Devant Dieu!), puis se jette du haut du château Saint-Ange. Ce suicide, d’une violence scénique et émotionnelle rare, est la seule voie de fuite pour Tosca, un acte de défi ultime contre un destin inéluctable et l’immoralité du pouvoir. La musique de Puccini, avec ses crescendos dramatiques et ses harmonies intenses, magnifie ce saut fatal, faisant de la mort de Tosca un moment iconique de courage désespéré et de pure tragédie lyrique.
7. desdémone (Othello) : la mort subie et l’innocence sacrifiée
Bien que n’étant pas un suicide au sens strict, la mort de Desdémone dans Othello de Giuseppe Verdi est souvent perçue comme un sacrifice de l’innocence face à un destin inéluctable, agissant comme un suicide dramatique imposé. Accusée à tort d’infidélité par son mari, le jaloux Othello manipulé par Iago, Desdémone est étranglée par celui qu’elle aime profondément. Sa mort n’est pas un acte volontaire, mais la conséquence directe et brutale d’une accusation injuste et d’une jalousie aveugle. Cependant, la manière dont elle l’affronte, avec une résignation empreinte de dignité et de pureté, en fait une figure tragique dont la mort est presque une offrande. Son « Ave Maria » final, prière déchirante implorant la Vierge, est un moment de sublime innocence et de pureté avant la catastrophe. Desdémone accepte son sort, non par désespoir, mais par amour et obéissance, refusant de se défendre âprement contre les accusations de son époux, ce qui la rend d’autant plus pathétique. La musique de Verdi accentue la cruauté de cette fin, contrastant la beauté mélodique de Desdémone avec la violence de son assassinat. Sa mort déclenchera d’ailleurs le suicide d’Othello, incapable de vivre avec la culpabilité de son acte. La fin de Desdémone symbolise le sacrifice de l’innocence face à la noirceur de la calomnie et de la passion destructrice, faisant d’elle une martyre de l’amour dans l’histoire de l’opéra.
8. la Traviata : le consumérisme de l’existence
Le suicide de Violetta Valéry dans La Traviata de Giuseppe Verdi est une mort qui relève moins d’un acte brutal que d’un consumérisme de l’existence, une lente auto-destruction nourrie par la maladie et le sacrifice amoureux. Ancienne courtisane, Violetta choisit de renoncer à son amour sincère pour Alfredo Germont afin de préserver l’honneur de sa famille et de sa sœur, suivant les demandes du père d’Alfredo. Ce sacrifice, ajouté à sa maladie incurable (la tuberculose), la mène progressivement à la mort. Son suicide n’est pas un geste unique, mais une agonie prolongée, une consumation physique et morale où son corps et son esprit s’éteignent peu à peu. Dans ses dernières arias, comme « Addio del passato », elle exprime sa résignation face à un passé révolu et à l’absence de tout espoir de rédemption ou de bonheur. Elle meurt finalement dans les bras d’Alfredo, revenu trop tard pour la sauver. La musique de Verdi, d’une intensité déchirante, suit chaque étape de sa déchéance physique et morale, rendant ce « suicide lent » incroyablement poignant. La mort de Violetta est le triste aboutissement d’une vie de sacrifices et de souffrances, symbolisant la destruction de l’individu par les conventions sociales et la maladie, et faisant d’elle l’une des héroïnes les plus emblématiques de la tragédie romantique, dont la fin est d’autant plus poignante qu’elle est inéluctable.
9. IsoldE (Tristan et Isolde) : la mort par amour, transfiguration et submersion
Le suicide d’Isolde dans Tristan et Isolde de Richard Wagner est une « Liebestod » (mort d’amour) qui va bien au-delà de la simple disparition physique, étant une transfiguration et une submersion mystique dans l’absolu de l’amour. Après la mort de Tristan dans ses bras, Isolde ne se poignarde pas et ne se jette pas dans le vide. Sa mort est un acte spirituel et musical, une fusion extatique avec l’être aimé, qu’elle rejoint dans une dimension au-delà de la vie. Dans son air final, le célèbre « Mild und leise » (Douce et légère), elle ne perçoit plus la mort mais une vision de Tristan transfiguré et radieux. Elle chante une mort par amour où son âme se dissout dans le vaste océan sonore, s’unissant à l’éternel. L’orchestre de Wagner, avec ses harmonies chromatiques et ses progressions incessantes, crée une montée en puissance qui culmine dans un orgasme sonore où les limites entre la vie et la mort, le réel et l’idéal, s’estompent. Ce « suicide » n’est pas une tragédie mais une apothéose, le seul moyen pour l’amour absolu et impossible sur terre de se réaliser pleinement dans un au-delà mystique. La Liebestod d’Isolde est le point culminant de l’idéal romantique et de la philosophie wagnérienne, transformant la mort en une ultime forme d’union et de transcendance, un moment unique dans l’histoire de l’opéra.
10. la Salomé (strauss) : le baiser mortel et l’exécution finale
Le suicide de Salomé dans l’opéra éponyme de Richard Strauss, d’après la pièce d’Oscar Wilde, est une fin d’une intensité macabre et psychologique extrême, culminant par un baiser mortel et son exécution finale. Obsédée par Jean le Baptiste (Jokanaan), qu’elle désire et qui la repousse, Salomé exige sa tête sur un plateau après avoir exécuté la danse des sept voiles. Une fois sa macabre requête exaucée, elle s’adonne à un monologue fiévreux et transfiguré, embrassant passionnément les lèvres coupées du prophète. Cet acte, à la fois charnel et nécrophile, est le point culminant de son obsession. Cependant, son beau-père, Hérode, horrifié par cette vision et l’immoralité de sa belle-fille, ordonne aux soldats de la tuer. Le suicide de Salomé n’est donc pas un acte volontaire au sens strict, mais une mort infligée en punition de son désir pervers et de sa folie, la musique de Strauss atteignant des sommets d’expressionnisme pour dépeindre cette fin sanglante. La mort de Salomé est l’apogée d’un drame psychologique intense, où le désir, la perversion et la mort s’entremêlent. Son châtiment final, bien que violent, est la conséquence inévitable de ses actes et de sa transgression des tabous, faisant d’elle une figure fascinante et terrifiante de la folie et de l’obsession féminine dans l’opéra.
11. le vaisseau fantôme (Wagner) : la rédemption par le sacrifice féminin
Le suicide de Senta dans Le Vaisseau fantôme de Richard Wagner est un acte de rédemption par le sacrifice féminin, un thème central dans l’œuvre du compositeur. Senta, jeune femme rêveuse et idéaliste, est fascinée par la légende du Hollandais volant, un capitaine condamné à errer éternellement sur les mers jusqu’à ce qu’il trouve une femme qui lui soit fidèle jusqu’à la mort. Lorsqu’il apparaît, elle le reconnaît comme l’homme de ses rêves et jure de lui rester fidèle. Cependant, le Hollandais, voyant l’affection que le chasseur Erik porte à Senta, et craignant qu’elle ne le trahisse, décide de fuir pour ne pas la lier à sa malédiction. C’est alors que Senta, dans un geste d’amour absolu et de fidélité inébranlable, se jette dans les flots du haut d’une falaise, proclamant qu’elle lui restera fidèle « jusqu’à la mort éternelle ». Ce sacrifice volontaire brise la malédiction du Hollandais ; son navire s’abîme dans les vagues, et leurs âmes, enfin libérées, s’élèvent vers le ciel. Le suicide de Senta n’est pas un acte de désespoir, mais un geste héroïque de dévouement total, le seul moyen de racheter le Hollandais et d’accomplir leur union mystique. La musique de Wagner, puissante et évocatrice, sublime cette mort rédemptrice, transformant un acte individuel en une allégorie de l’amour sacrificiel qui triomphe du destin.
12. Suor Angelica (Puccini) : le poison et le miracle divin
Le suicide de Sœur Angelica dans l’opéra éponyme de Giacomo Puccini est un acte désespéré de rébellion et de désir de réunion, suivi d’un miracle divin teinté de tragédie. Reléguée dans un couvent par sa famille pour avoir eu un enfant hors mariage, Sœur Angelica est tourmentée par l’absence de nouvelles de son fils. Sa tante, la Princesse, lui révèle brutalement que l’enfant est mort deux ans plus tôt. Dévastée par cette nouvelle et aveuglée par le chagrin, Sœur Angelica décide de mettre fin à ses jours pour rejoindre son fils dans l’au-delà. Elle prépare un poison à partir d’herbes médicinales qu’elle cultive. Cependant, au moment de boire le poison, elle est saisie d’horreur à l’idée de commettre un péché mortel. Dans un cri de désespoir, elle implore la miséricorde de la Vierge Marie. Alors qu’elle succombe aux effets du poison, un miracle se produit : la Vierge apparaît, conduisant l’âme de l’enfant vers sa mère mourante. La musique de Puccini atteint des sommets d’émotion, mêlant le désespoir, le remords et l’espoir divin dans les dernières minutes. Le suicide de Sœur Angelica est un geste de détresse extrême, mais il est racheté par la grâce divine, offrant une fin douce-amère où le pardon est accordé même dans l’acte le plus désespéré, faisant de ce dénouement une scène unique de pitié et de rédemption.
13. le martyre de Louise (charpentier) : un saut dans la seine pour la liberté
Le suicide de Louise dans l’opéra éponyme de Gustave Charpentier est un acte de désespoir mais aussi de revendication de la liberté, se concluant par un saut dans la Seine. Louise, jeune ouvrière parisienne, est déchirée entre son amour pour le poète Julien et le carcan de sa famille conservatrice. Ses parents s’opposent farouchement à son union, cherchant à la retenir prisonnière des conventions bourgeoises. Après une vie d’amour libre avec Julien à Montmartre, elle est rappelée de force chez elle où elle subit les reproches et l’oppression familiale. Étouffée par cet environnement et la rigidité de ses parents, qui vont jusqu’à la menacer de folie, Louise voit la liberté comme sa seule échappatoire. Incapable de vivre sans Julien et de supporter cette réclusion morale, elle s’élance par la fenêtre pour se jeter dans la Seine. Ce suicide n’est pas seulement un geste désespéré ; c’est aussi un acte de rébellion ultime contre l’autorité parentale et la société. La musique de Charpentier, avec ses accents véristes et son lyrisme intense, sublime cette fuite tragique, exprimant la détresse de Louise face à un monde qui refuse sa liberté. Sa mort est le symbole du sacrifice de l’individu face aux contraintes sociales, faisant d’elle une martyre de l’amour et de l’émancipation dans l’opéra français.
14. Wozzeck (berg) : la noyade, reflet de la déshumanisation
Le suicide de Wozzeck dans l’opéra atonal de Alban Berg est un acte d’une profonde intensité dramatique, une noyade qui est le reflet tragique de sa déshumanisation et de son impuissance face à l’oppression sociale. Wozzeck, un soldat pauvre et naïf, est tourmenté par son Capitaine et exploité par un Docteur qui l’utilise pour des expériences pseudo-scientifiques. Trahi par Marie, la mère de son enfant, qui le trompe avec le Tambour-Major, il sombre progressivement dans la folie. Après avoir assassiné Marie au bord d’un étang, rongé par la culpabilité et le désespoir, Wozzeck retourne sur les lieux du crime pour y cacher le couteau. Il est alors submergé par l’eau, que le Docteur et le Capitaine observent sans réaction, symbolisant l’indifférence de la société à son sort. Son suicide par noyade est la conséquence inévitable de la pression insoutenable qu’il subit de toutes parts. La musique de Berg, dissonante, fragmentée et d’une force expressive inouïe, plonge l’auditeur dans la psyché torturée de Wozzeck, rendant sa fin d’autant plus poignante qu’elle est la conclusion logique d’une vie de misère et d’exploitation. La mort de Wozzeck est le cri d’alarme d’un homme écrasé par la société, faisant de son suicide un commentaire social puissant sur la condition humaine et la violence des systèmes.
15. le suicide dans l’opéra : entre catharsis et tabou
Le suicide dans l’opéra est un thème récurrent, oscillant constamment entre catharsis et tabou, révélant la complexité de sa représentation à travers les siècles. Dès les débuts de l’opéra, la mort volontaire a été un puissant ressort dramatique, offrant une fin spectaculaire à des personnages acculés par le destin, l’amour impossible ou l’honneur bafoué. Elle permet une intense libération émotionnelle pour le public (catharsis), magnifiée par la musique qui sublime la souffrance et le sacrifice. Cependant, le suicide reste un tabou dans de nombreuses sociétés et religions, ce qui a parfois conduit à des controverses ou à des adaptations des librettos pour rendre la mort moins explicite ou la transformer en sacrifice. Les motivations derrière ces suicides sont diverses : amour romantique (Werther), honneur (Butterfly), remords (Othello), désespoir face à l’injustice (Tosca), ou folie (Lucia). Les méthodes varient aussi, du poison au poignard, en passant par la noyade ou l’immolation, chacune ajoutant à la symbolique du geste. En dépit des sensibilités changeantes, le suicide continue d’être une source d’inspiration pour les compositeurs, car il offre une exploration inégalée des profondeurs de l’âme humaine face à l’ultime choix, faisant de ces scènes des moments d’une beauté tragique et d’une puissance psychologique inégalée qui marquent l’histoire de l’opéra.
